La gama del amor – The range of Love - Antoine Watteau

National Gallery de Londres
1717
51,3 × 59,4 cm. Óleo sobre lienzo

Antoine Watteau

La composición muestra, en el marco de un parque boscoso decorado con el busto de un filósofo antiguo, a un guitarrista junto a una dama sentada en el suelo, la cual hojea una partitura. A la derecha, en un segundo plano que se prolonga hasta la lejanía de un lago, aparecen el grupo compuesto por dos mujeres, una niña y un caballero, y una pareja que camina hacia la espesura. La atmósfera intimista del entorno boscoso contrapesa la aparente frivolidad del tema. En el tratamiento de la materia, dorada por la luz que tamiza el follaje, se percibe claramente la influencia de la escuela veneciana, y en particular, la de Veronés.

La danza - The Dance - Antoine Watteau

Galería Dahlem de Berlín
1710-1720
97 × 116 cm. Óleo sobre lienzo

Antoine Watteau

El amable cuadro tiene como personaje principal a una muchachita que intenta sus primeros pasos de baile, contemplada por unos niños en un paisaje un tanto indefinido.

En el lienzo se notan las huellas del marco redondo en que estuvo colocado. Se conservan tres estudios previos del grupo de niños.

La materia fresca y jugosa representa el compromiso que Watteau estableció, a su arbitrio y con su propia visión, entre las influencias flamenca e italiana, sobre todo en los últimos años de su corta vida, en los que hay que situar esta simpática figuración.

La carreta de heno – The Hay Wain - John Constable

John Constable

Muestra la composición un paraje del valle de Stour, en los confines de los condados de Essex y Suffolk, donde el pintor habitaba. A la izquierda aparece la casa de Willy Lot, vecino de Constable, y en el centro la carreta, que ha sido introducida en el estanque con objeto de dilatar la madera de sus ruedas para obtener una mejor fijación de las llantas metálicas. Puesto que se conservan antiguas fotografías del lugar, es posible juzgar del rigor con que el artista representó dicho paisaje, según el principio de percepción de la realidad que el propio Constable acostumbraba a denominar “el ojo inocente”.

El ministro Cornelis Claesz Ansio y su esposa - Portrait of Cornelis Claez Ansio and his wife – Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Es una obra de composición original, que sin dificultad podría partirse por la mitad, ya que lo forman un doble retrato a la derecha y un bodegón de libros a la izquierda. Ambas partes tienen el mismo interés, pues el pintor ha sabido compensar el mayor valor de la figura humana dando más concreción y relieve a la naturaleza muerta mediante una hábil distribución de la luz. Ambas mitades quedan ligadas entre sí por el gesto del hombre, que parece instruir a la mujer acerca del contenido del libro. Porque es el libro de la Verdad, seguramente la Biblia, y así lo destaca el artista con esa iluminación dorada, que gradualmente se oscurece al progresar hacia la derecha, hasta el pardo oscuro de los personajes.

El joven dibujante - The Young Draughtsman - Jean Baptiste Siméon Chardin

Jean Baptiste Siméon Chardin

Delicioso trozo de pintura en cuya aparente sencillez hay verdaderos primores y delicadezas.

El muchacho se apoya en la carpeta que hay encima de una mesa y monta el carboncillo para terminar su dibujo académico; es un alumno de Bellas Artes. El fondo liso dosifica sus matices para resaltar la figura. Ésta, lo mismo que los objetos, está tratada con admirable discreción, perfectamente definida pero sin abrumar con nimios detalles.

El cuadro fue muy apreciado en su tiempo, y no sólo éste, sino también toda la serie de medias figuras infantiles o juveniles que hacen diversas cosas sobre una mesa y cuyo éxito obligó al artista a repetir la colección. Para varios de ellos sirvió de modelo este mismo chico que aquí dibuja.

El camino de Middelharnis – The way of Middelharnis - Meindert Hobbema

Meindert Hobbema

Aparte su originalidad compositiva, el encuadre preludia la visión impresionista del paisaje, este lienzo tiene un extraordinario interés documental, puesto que se halla fechado en 1689. Un reciente análisis científico de la firma del cuadro ha disipado cualquier duda que pudiese existir acerca de su autenticidad.

El amor en el teatro italiano - The Italian Comedy - Antoine Watteau

Galería Dahlem de Berlín
1716
37 x 48 cm. Óleo sobre lienzo

Antoine Watteau

En esta escena nocturna, en que la luna asoma tras los árboles, están los tradicionales personajes de la Commedia dell’arte: Pierrot tocando la guitarra; a su lado, y hacia la izquierda, asoma la cabeza de Colombina tras una dama que lleva el antifaz en la mano, y más allá el Dottore di Bologna con su nariz postiza. Hacia la derecha, Arlequín y Mezzetino alumbrando una antorcha y luego dos pastores, que deben ser Scapin y Breghella, más otras figuras imprecisas.

El efecto de luz está visto indudablemente en Rembrandt, pero sobre este influjo aparente se sobrepone el acento italiano, no sólo por la sugestión del tema, sino sobre todo por la fruición con que están pintadas las figuras y que se podría calificar de veneciana.

Busto de Apóstol – An apostle – Jacob Jordaens

Jacob Jordaens

A pesar de su reducido formato, posee la figura representada en el cuadro una sorprendente monumentalidad, derivada sin duda de la violenta fórmula de ejecución, que revela un temperamento brioso y poco convencional. El estilo corresponde a la fase juvenil del artista, caracterizada por la experimentación con efectos de luz a los que conviene el calificativo de caravaggistas. Jordaens trabaja sin duda alla prima, aplicando los toques de color directamente sobre la imprimación del lienzo, es decir, sin preocuparse de construir por medio de sucesivas capas de pigmento. El trazo es de una característica vibración, deshilachado y audaz. El efecto emotivo reside en la diferencia de tratamiento luminoso que existe entre el rostro y las manos del personaje, zonas entre las que existe asimismo una gran desigualdad de textura. Gracias a ello, el apóstol adquiere un realismo total, se humaniza en sus rasgos de hombre del pueblo.

Baño en Asniéres - Bathing at Asnieres - Georges Seurat

National Gallery, Londres
1884
200 × 300 cm. Óleo sobre lienzo

Georges Seurat

El tema se halla inspirado en una escena habitual en los días festivos del verano a orillas del Sena a su paso por el suburbio industrial del noroeste de París. A pesar de que la composición tiene innegables puntos de contacto con los encuadres utilizados por los artistas impresionistas, se aparta de las normas de dicha tendencia por su particular paleta, organización de los tonos en una secuencia acorde con la del espectro y, sobre todo, por el carácter monumental, meticulosamente construido de las figuras, basadas en estudios preparatorios. En el momento de pintar este cuadro, Seurat no había desarrollado por completo su teoría divisionista, puesto que los colores aparecen mezclados para conseguir los medios tonos y no, como ocurre en obras de fechas más tardía, yuxtapuestos sobre la tela en estado puro, pretendiendo que se combinen óptimamente en la retina del espectador. Algunas zonas del lienzo fueron posteriormente retocadas por el artista con técnica divisionista, como se aprecia en el sombrero del niño y en su perfil posterior, aureolado por motas doradas.

Obras de: Georges Seurat
Baño en Asniéres	El circo	La Grande Jatte

Una mujer y su criada en un patio – Pieter de Hooch

Pieter de Hooch

El cuadro es, ante todo, un estudio perspectivo del marco arquitectónico en el que se desarrollaban las actividades de la vida corriente en cualquier ciudad neerlandesa de la segunda mitad del siglo XVII. A pesar de la ausencia de edificios monumentales, la composición posee variedad de ámbitos y grandiosidad espacial. Probablemente no corresponde esta vista a un paisaje real, sino que fue imaginada por el artista, de acuerdo con su proceder habitual, a partir de elementos diversos que ensambló a su capricho. Así, por ejemplo, el muro del fondo es muy probablemente la antigua muralla de Delft, ciudad en la que fue pintada esta obra, y el modesto jardín del segundo término debe estar inspirado en una casa de la misma localidad. Un arrepentimiento claramente visible, la notable modificación en la altura del tejado del ángulo superior derecho del cuadro, prueba que el pintor no se atenía a una realidad precisa, sino que componía el paisaje a su conveniencia, cambiando la posición de sus elementos con la misma facilidad que si se tratase, por ejemplo, de los objetos constitutivos de un bodegón.

Visto con detalle el ángulo de la cerca del jardín, detrás de la criada, permite comprender la técnica a la vez rigurosa y efectista de Pieter de Hooch. La entonación rojiza de las vallas de tablas sirve para resaltar la calidad grisácea y blanquecina de los ramajes y las escasas hojas que ha respetado la estación otoñal. Su coloración es reflejo de un celaje velado y frió del que procede una luz uniforme que crea sombras apenas perceptibles. A pesar de su riqueza de tonos, el cuadro produce, en virtud de sus circunstancias lumínicas, una cierta impresión monocromática.

Retrato de Margaretha de Geer – Portrait of Margaretha de Geer - Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt la ha representado de frente, sentada en un sillón y ataviada de acuerdo con una moda que ya en la época pertenecía al pasado. Como se advierte el pintor ha tratado su rostro con toques deslavazados y violentos, de condición impresionista, gracias a los cuales cobran relieve las arrugas epidérmicas, ajustada la carne por el paso de los años a la estructura ósea que la soporta. La efigie es un extraordinario ejemplo de la capacidad de captación psicológica alcanzada por el maestro en los últimos y difíciles años de su actividad.

1967 Relieve toscano - 1967 Tuscan relief – Ben Nicholson

Ben Nicholson

Aunque por diversión pinte o dibuje alguna vez paisajes y bodegones, Nicholson mantiene tenazmente el abstractismo, en cuadros con formas circulares o rectilíneas, muchas veces tratadas en relieve o al menos perfiladas por una incisión en el tablero. Esta composición acusa la influencia de Mondrian, pero sin el rigor de éste en cuanto a la distribución de espacios y en cuanto al colorido. El de Nicholson es un arte más amable por sus calidades táctiles que le quitan frialdad.

Este cuadro resume las experiencias y la sabiduría de su autor, que lo pintó cuando había superado los setenta años.

Pilar bajo la luna - Pillar and Moon – Paul Nash

Paul Nash

El inglés Nash cultiva una extraña y personal figuración, que por sus intenciones crípticas lo relaciona a veces con el surrealismo. La composición es un paisaje de arbitraria realidad, cuyos elementos más o menos imaginarios se ordenan en una perspectiva clásica.

El secreto y la significación del asunto consisten en la presencia contrapuesta de dos cuerpos esféricos: la bola que remata el pilar y la luna sobre las nubes. Es el primero de una serie de cuadros fundados en este dualismo, explicado por el propio artista con las siguientes palabras: “La idea que hay tras el diseño es la asociación mística de dos objetos que habitan en elementos diferentes y no tienen relación aparente en la vida.” La pálida esfera de piedra en el pilar se contrapone a la luna, fría y pálida, sólida como una piedra. Pretende suscitar recuerdos y emociones en el espectador, más que imponer una idea determinada.

Piedad con un donante y santos - Pietà with a donor and saints - Roger Van der Weyden

Nacional Gallery de Londres
1464
35,5 x 45 cm. Óleo sobre tabla

Roger Van der Weyden

Composición sobre tabla que representa al pie de la cruz, sobre un fondo de paisaje llano, las figuras de la Virgen sosteniendo el cuerpo exánime de Cristo; en el lado izquierdo aparecen san Jerónimo con un inidentificado donante y, en el derecho, un santo dominico, probablemente el propio fundador de la orden. La pieza posee la transparencia atmosférica y la precisión en el modelado de las formas que caracterizan el estilo de Van der Weyden. Además de la efigie del donante, indudable retrato, el pintor ha utilizado modelos reales para realizar los rostros de los restantes personajes, quienes a pesar de su condición sacra son profundamente humanos.

El carácter espontáneo de esta obra queda probado por los cambios de idea que, con respecto al dibujo inicial, se produjeron en el curso de su ejecución, por ejemplo en la disposición del manto y mano izquierda de la Virgen, en la colocación de la figura del donante y en detalles menores de las manos de los restantes personajes. Todo ello ha sido posible ver en las fotografías al infrarrojo y los exámenes radiográficos realizados sobre la tabla. Por otra parte, el pormenor de la zona central del cuerpo de Cristo ofrece la posibilidad de analizar la técnica pictórica de Van der Weyden, basada en líneas de dibujo muy seguras que son reforzadas en ocasiones, por ejemplo en los pliegues del paño de pureza, por trazos en blanco que sirven para indicar las inflexiones de la luz sobre los ropajes. El modelado anatómico se consigue mediante un procedimiento monocromático, sin duda gracias a una elevada dilución del color en el vehiculo oleaginoso. La densa tonalidad carmesí del manto mariano hace resaltar la morbidez del cadáver.

Obras de: Roger Van der Weyden
Adoración de los reyes	Adoración del Niño Jesús del retablo de Middelburg	Degollación de san Juan Bautista del retablo de Miraflores
El Descendimiento	El hombre de la flecha	La Piedad
La Virgen con el Niño, coronada por un ángel	Magdalena del tríptico Braque	Piedad
Piedad con un donante y santos	Retrato de Carlos el Temerario	Tríptico de la Crucifixión
Virgen de la leche

Mujer bañándose en un arroyo - Hendrickje bathing in a river - Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

La composición constituye un ejemplo revelador de la genialidad del maestro, cuya técnica espontánea y abocetada consigue efectos expresionistas. Así, ambas manos de la figura son manchas esquemáticas que observadas a distancia producen el efecto de realidad; el procedimiento no volvería a emplearse hasta el siglo XIX. Pintado en 1655, como indica la fecha inscrita junto a la firma del pintor en la parte inferior derecha, es sin duda retrato de Hendrijke Stoffels, quien unos diez años antes había entrado en casa de Rembrandt como sirvienta, convirtiéndose en su amante. Por su composición, esta obra ha de considerarse estudio preparatorio del tema Susana y los viejos.

Muchacho tocando la flauta - Young flute placer – Judith Leyster

Judith Leyster

Se trata de un retrato anecdótico y ambiental, en el que la música tiene más importancia que el personaje. Éste es un muchachito con la chaqueta remendada y sentado en una silla rota, que toca afanosamente la flauta travesera, teniendo a su lado, colgados en la pared, un violín y una flauta de pico.

El cuadro está compuesto con mucha libertad y emana una gran simpatía, no sólo por el gracioso rostro del chico enmarcado por la gorra encarnada y la golilla blanca, sino también por la sostenida calidad, sencilla y directa, que tiene todo el lienzo.

Los horrores de la guerra – Escuela de Pedro Pablo Rubens

Escuela de Pedro Pablo Rubens

El anónimo autor de este ejemplar, que durante mucho tiempo se consideró original de Rubens, se inspiro en el cuadro del mismo tema que se conserva en el Palacio Pitti de Florencia. La composición muestra a Marte en lucha con la Furia Alecto y Venus, a la que ayudan varios amorcillos. A la izquierda se percibe el templo de Jano, en el que el dios de la guerra trata de penetrar, y junto a él una figura femenina con los brazos en alto, seguida por un niño que lleva una esfera coronada por una cruz, indudable alegoría de la desgraciada Europa. A la izquierda sobre el oscurecido celaje, vuelan los dos monstruos compañeros de la Furia: la Peste y el Hambre. En el suelo se hallan las figuras femeninas de la Armonía con su laúd, la Fecundidad con un niño en sus brazos, ambos personajes representan asimismo la Maternidad y la Caridad, y un hombre con un compás en su mano, símbolo de la Razón y la Inteligencia. Los resplandores rojizos del horizonte evocan el incendio de una lejana ciudad. La agitada masa de personajes pisotea diversos objetos de carácter asimismo alegórico: un caduceo, las flechas de cupido, un busto y un libro. Este tema de Rubens motivó un número elevado de copias, ninguna de las cuales alcanza sin embargo la calidad de este ejemplar de la National Gallery de Londres.

Autorretrato en la ancianidad - Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

La disposición de la figura, con el cuerpo en tres cuartos de perfil, el rostro vuelto hacia el frente y las manos unidas. La técnica de ejecución del cuadro, como se aprecia con detalle, es de una libertad total; los toques de color se superponen de forma anárquica, creando la impresión visual del modelado y sus variadas incidencias luminosas. En algunas zonas, por ejemplo en los cabellos sobre la oreja derecha, se advierten todavía las líneas del somero boceto realizado con trazos de color negro. Un claro arrepentimiento es visible en el contorno izquierdo del bonete, que en una primera fase era de mayores dimensiones.

RIMA XXXVII - Antes que tú me moriré - Becquer Gustavo Adolfo

   RIMA XXXVII

Antes que tú me moriré; escondido

en las entrañas ya

el hierro llevo con que abrió tu mano

la ancha herida mortal.

Antes que tú me moriré; y mi espíritu,

en su empeño tenaz,

se sentará a las puertas de la muerte,

esperándote allá.

Con las horas los días, con los días

los años volarán,

y a aquella puerta llamarás al cabo...

¿Quién deja de llamar?

Entonces, que tu culpa y tus despojos

la tierra guardará,

lavándote en las ondas de la muerte

como en otro Jordán;

allí donde el murmullo de la vida

temblando a morir va,

como la ola que a la playa viene

silenciosa a expirar;

allí donde el sepulcro que se cierra

abre una eternidad,

todo cuanto los dos hemos callado,

allí lo hemos de hablar.

Gustavo Adolfo Bécquer

RIMA XXXIX - ¿A qué me lo decís? - Becquer Gustavo Adolfo

   

RIMA XXXIX

¿A qué me lo decís? Lo sé: es mudable,
es altanera y vana y caprichosa;
antes que el sentimiento de su alma,
brotará el agua de la estéril roca.
Sé que en su corazón, nido de sierpes,
no hay una fibra que al amor responda;
que es una estatua inanimada..., pero...
¡es tan hermosa!

Gustavo Adolfo Bécquer

RIMA LXIV - Como guarda el avaro su tesoro - Becquer Gustavo Adolfo

    

RIMA LXIV

 Como guarda el avaro su tesoro,
        guardaba mi dolor;
quería probar que hay algo eterno
a la que eterno me juró su amor.

Mas hoy le llamo en vano y oigo, al tiempo
        que le acabó, decir:
¡Ah, barro miserable, eternamente
        no podrás ni aun sufrir!

Gustavo Adolfo Bécquer

La Virgen y el Niño - The Virgin and Child - Vecellio di Gregorio Tiziano

National Gallery, Londres
1565-75
76,2 x 63,5 cm. Óleo sobre lienzo

Vecellio di Gregorio Tiziano

La Virgen se halla sentada, en un perfil casi total, mientras que el Niño, desnudo, se abalanza sobre su seno; ambas figuras se funden con un fondo oscuro, limitado a la derecha por un cortinaje. Como es característico del momento final de la producción ticianesca, carecen las formas de líneas de contorno. La luz les concede un carácter nuboso, diríase impresionista, lo que crea un fenómeno de ósmosis entre los cuerpos y la atmósfera. Este cuadro anticipa en muchos sentidos la pintura barroca y las tendencias que se desarrollarían a fines del siglo XVIII y en la segunda mitad del XIX. Es indudable que el estilo otoñal de Tiziano pudo influir, por ejemplo, en Goya, quien aspiro asimismo a la obtención de efectos dramáticos por medio de una iluminación difusa que consigue la disolución de las formas.

Obras de: Vecellio di Gregorio Tiziano
Adán y Eva	Amor profano y amor divino	Autorretrato
Concierto campestre	Coronación de espinas	Dánae recibiendo la lluvia de oro
El Dux Niccolo Marcello	El emperador Carlos V, a caballo en Mühlberg	El hombre de la palma
El hombre del guante	El hombre vestido de azul	El tributo del cesar
Flora	Jesús y el Cireneo	La Bacanal de los Andrios
La Venus de Urbino	La Venus del Pardo	La Virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque
La Virgen de san Nicoló dei Frari	La Virgen y el Niño	Noli me Tangere
Ofrenda a Venus, diosa de los amores	Piedad	Retrato de Cristoforo Madruzzo
Retrato de Felipe II	Retrato de Francisco I	Retrato de la emperatriz Isabel de Portugal
Retrato de un caballero veneciano	Retrato de una dama con abanico	Retrato de una hija de Roberto Strozzi
Retrato del Dux Andrea Gritti	Retrato del Dux Marcantonio Trevisani	Retrato del emperador Carlos V
Retrato del papa Paulo III	San Juan Bautista	Venus ante un espejo
Venus recreándose con el Amor y la Música / Venus recreándose en la Música	Venus vendando los ojos del Amor	Venus y Adonis

El hombre vestido de azul - A Man with a Quilted Sleeve - Vecellio di Gregorio Tiziano

National Gallery, Londres
1509
81,2 × 66,3 cm. Óleo sobre lienzo

Vecellio di Gregorio Tiziano

Representado en medio cuerpo, de perfil y con el rostro ligeramente vuelto hacía el espectador, el personaje apoya su brazo derecho sobre el alféizar de una ventana, en el cual aparecen en caracteres epigráficos las letras T y V, monograma de Tiziano Vecellio. El rostro del modelo se halla encuadrado por los largos cabellos negros y la barba, lo que destaca el acusado perfil rectilíneo de su nariz y el tinte bronceado de la epidermis. Sus ojos miran al frente con intensidad y expresión inteligente. Puesto que la luz procede del lado izquierdo, el perfil contrario queda sumido en la penumbra, fundiéndose con el tono azul oscuro del fondo uniforme. La actitud del caballero, su estatismo y concentración, pueden abonar la hipótesis de que el cuadro sea un autorretrato. Ya que todos los autorretratos seguros de Tiziano fueron realizados en edad madura, no existen los términos de comparación necesarios para afirmar que el lienzo presente la imagen del artista.

Obras de: Vecellio di Gregorio Tiziano
Adán y Eva	Amor profano y amor divino	Autorretrato
Concierto campestre	Coronación de espinas	Dánae recibiendo la lluvia de oro
El Dux Niccolo Marcello	El emperador Carlos V, a caballo en Mühlberg	El hombre de la palma
El hombre del guante	El hombre vestido de azul	El tributo del cesar
Flora	Jesús y el Cireneo	La Bacanal de los Andrios
La Venus de Urbino	La Venus del Pardo	La Virgen con el Niño entre San Antonio de Padua y San Roque
La Virgen de san Nicoló dei Frari	La Virgen y el Niño	Noli me Tangere
Ofrenda a Venus, diosa de los amores	Piedad	Retrato de Cristoforo Madruzzo
Retrato de Felipe II	Retrato de Francisco I	Retrato de la emperatriz Isabel de Portugal
Retrato de un caballero veneciano	Retrato de una dama con abanico	Retrato de una hija de Roberto Strozzi
Retrato del Dux Andrea Gritti	Retrato del Dux Marcantonio Trevisani	Retrato del emperador Carlos V
Retrato del papa Paulo III	San Juan Bautista	Venus ante un espejo
Venus recreándose con el Amor y la Música / Venus recreándose en la Música	Venus vendando los ojos del Amor	Venus y Adonis

El baño de lodo - The Mud Bath – David Bomberg

David Bomberg

David Bomberg procede del cubismo con un estilo caracterizado por una pasta espesa y un dibujo siempre vigoroso, utilizando habitualmente los planos cubistas, deshaciéndolos y combinándolos en combinaciones abstractas como esta.

Sobre una superficie oblicua y roja, dominada por un grueso elemento vertical oscuro, unos cuerpos angulosos, partidos de luz y sombra, parecen bailar una danza desenfrenada.

Comedia – Comedy – Paul Klee

Paul Klee

Ejecutada en monotipo y acuarela sobre papel. La composición alude a las reuniones con improvisadas representaciones escénicas que eran habituales en la vida estudiantil del Bauhaus, en el que estudiaba Paul Klee, y en las que los elementos mecánicos y burlescos desempeñaban la parte principal. En la peculiar estilización que el autor da al tema se confunden los objetos y los personajes. La visión subjetiva del artista se siente liberada en un mundo de fantasía y de abstracción formal. Y la geometrización, por adopción de elementos cubistas, purifica las estructuras, sustituyendo el claroscuro por la línea, por una línea punzante, agresiva.

A todos estos propósitos sirve la transparencia de la acuarela, utilizada en una gama limitada y armónica, sin conexión con la realidad, a fin de dejar que las formas tengan valor por sí mismas, como expresión pura, al margen de su contenido.

La familia de Darío ante Alejandro - The Family of Darius before Alexander- Paolo Veronés

National Gallery de Londres
1570
236,2 x 474,9 cm. Óleo sobre lienzo

Paolo Veronés

El tema procede de un relato transmitido por varios historiadores clásicos, según el cual, tras la batalla de Issos, el joven Alejandro quiso visitar con su amigo Hefestio a la familia del derrotado Darío. Puesto que Hefestio era un hombre corpulento y de aspecto impresionante, la madre de Darío, confundiéndolo con el emperador, se arrodilló ante él para rendirle pleitesía. Una vez aclarado el malentendido, Alejandro dijo caballerosamente que Hefestio era también emperador, para disipar el embarazo de la dama. Tal episodio ha sido teatralmente descrito por Veronés, quien en su visión pictórica adopta un punto de vista muy bajo, de modo que las figuras gravitan óptimamente sobre el espectador y la escenografía arquitectónica cobra un impulso ascensional. El grupo principal se halla en el patio porticado de una mansión palaciega. Alejandro viste una túnica corta sobre su armadura y está acompañado por un séquito de fieles, entre los que destaca la robusta personalidad de Hefestio, también individualizada por la barba que enmarca su rostro. El emperador posee rasgos juveniles y cabello ensortijado; el gesto de sus manos sirve para detener a sus acompañantes, quienes no son autorizados a corregir el error de protocolo en que ha incurrido la madre de Darío. Tras ésta, también arrodilladas, aparecen la esposa y una hija del monarca persa seguidas, en un plano más alejado, por una dama de compañía enana. La introducción de este personaje responde a la moda de las cortes de la época de rodearse de una cohorte de bufones y servidores enanos, costumbre que Velázquez también documentó en Las Meninas.

Sobre la balaustrada que corona la columnata del fondo y en el espacio del patio palaciego dispuso Veronés una heterogénea muchedumbre en la que se distinguen damas y caballeros, soldados, hombres de aspecto oriental y filiación diversa, caballos, perros y monos. Los personajes más destacados poseen una individualidad de rasgos que indica su condición de retratos. 

Obras de: Paolo Veronés
Bautismo de Cristo	Creación de Eva	Cristo en el Huerto de los Olivos
Desposorios místicos de santa Catalina	La disputa con los doctores en el Templo	La familia de Darío ante Alejandro
Las bodas de Caná	Madonna con santos	Marte y Venus unidos por el Amor
Moisés salvado de las aguas	San Antonio predicando a los peces	Venus y Adonis

San Jorge y el dragón - St. George and the Dragon - Jacopo Robusti Tintoretto

National Gallery, Londres
1555
158,3 x 100,5 cm. Óleo sobre lienzo

Jacopo Robusti Tintoretto

El tema no se ajusta en absoluto a la tradición pictórica, de la que es un buen exponente el lienzo de Paolo Uccello que también se expone en Museo del Arte. Así, por ejemplo, la princesa no aparece en actitud estática, enlazada al dragón, sino que huye para ponerse a salvo del tremendo combate que se desarrolla en un plano más alejado. Tintoretto dispone esta figura de manera que sugiere un humano terror, y no el habitual recogimiento en devota plegaria. Por otra parte, el artista incluye la representación del cadáver de una de las víctimas del dragón, de acuerdo con la Leyenda áurea, en la que se indica que la ciudad sojuzgada por el monstruo le ofrecía el tributo diario de uno de sus habitantes. El paisaje, un litoral recortado que tiene como fondo las murallas de la urbe, impone a la composición un ritmo agitado que concuerda con el movimiento de las figuras. Sobre el panorama planean formaciones nubosas, aureolando una figura celestial cuya luminosidad origina un arco iris elíptico. Debe tratarse de la representación de Dios Padre, que es inusitada en cuadros de tema de san Jorge. En función de ella, puede especularse acerca de la posibilidad de que la figura de la víctima del dragón, en actitud crucificada, sea un símbolo de Cristo.

Obras de: Jacopo Robusti Tintoretto
Adán y Eva	Batalla entre turcos y cristianos	Creación de los animales
Cristo caminando sobre las aguas	Ecce Homo	El dux Alvise Mocenigo presentado al Redentor
El lavatorio	Jesús en casa de Marta y María	Judit y Holofernes
La cena de Emaús	La Coronación de la Virgen, El Paraíso	La Dama que descubre el seno
Milagro de san Marcos	Retrato del procurador Jacopo Soranzo	San Jorge y el dragón
San Marcos liberando a un esclavo	Susana y los viejos

El descanso del poeta - The Poet Reclining – Marc Chagall

Marc Chagall

Una de las obras más concretas y menos imaginativas del ruso Marc Chagall. En él todos los elementos son reales y están dispuestos de acuerdo con las leyes de la naturaleza, sin combinarse en la forma fantástica u onírica que es habitual en este pintor de tan alto sentido poético.

En los días de su luna de miel escribe estas frases que traslucen su estado de ánimo e incluso aluden a los elementos visibles en este cuadro: “Al fin estamos solos en el campo. Bosques, pinos, soledad. La luna tras el boscaje. El cerdo en la pocilga, el caballo ante la ventana, en los campos. El cielo de color de lila…”

Y delante de todo ello, como protagonista el poeta, el pintor, tumbado en la hierba, gozando de esta paz tan líricamente expresada con la palabra y con los pinceles.

El crepúsculo – Twilight - Giorgione

Giorgione

Presenta restauraciones importantes en el promontorio rocoso del lado derecho, que interesan al caballo de san Jorge, representado al fondo, en lucha con el dragón, y las aguas del lago que se extiende al pie del acantilado. La escasa calidad y matización del follaje del árbol situado a la izquierda debe achacarse también a la labor de restauradores antiguos. Por los demás, el cuadro se halla en buen estado de conservación, lo que permite reconocer el inconfundible toque de Giorgione en los cambiantes efectos atmosféricos del panorama de fondo, dominado por los perfiles de una aldea tras la que se extiende la campiña de un azul evanescente. Casi en el centro, y en primer término de la composición, situó el artista a dos personajes, uno de ellos sentado y el restante en actitud de vendarle la pierna. Se trata probablemente de san Roque y de san Gotardo, quien según la tradición curó la llaga del primero. La escena puede representar una alegoría de la peste, de la que es intercesor san Roque y, en tal caso, habría que suponer sería una pintura votiva, ejecutada para conmemorar la terminación de la plaga que se abatió sobre Venecia en 1504.

Bosque, vertical y horizontal - Woodland, Vertical and Horizontal – Ivon Hitchens

Ivon Hitchens

El pintor indica ya en el título que le ha interesado captar las líneas ordenadoras del paisaje, reduciendo éste a sus masas esenciales y al acorde cromático dominante.

Por confesión del artista sabemos que está pintado directamente del natural, en los bosques cercanos a Lavington Common, donde trabajó algunas temporadas durante muchos años.

Mujeres y pájaro al claro de luna - Women and Bird in the Moonlight – Joan Miró

Joan Miró

Cuadro que contiene todos los elementos típicos en el surrealismo de Joan Miró. Los aspectos figurativos se enmascaran entre las formas imaginarias y a todo ello se superponen los “signos” que forman su lenguaje habitual. El conjunto tiene una sorprendente armonía de color, valorada por el contraste de los blancos y los rojos.

El lienzo está firmado al dorso y fechado en 1949. Por lo menos desde quince años antes había introducido los astros y las figuras esquemáticas en sus composiciones.

Venus dormida - Sleeping Venus – Paul Delvaux

Paul Delvaux

Uno de los cuadros más ponderados y sugestivos del surrealista Paul Delvaux, impregnado de misterio y pintado con su habitual minuciosidad.

Respecto al contenido de la pintura, nos ilustra Delvaux con estas palabras: “Yo creo que, acaso inconscientemente, he puesto en el asunto de esta pintura cierta misteriosa e intangible inquietud: la ciudad clásica con sus templos alumbrados por la luna, a la derecha un extraño edificio con cabezas de caballo que tomé del viejo Circo Real de Bruselas, algunas figuras agitadas en contraste con esa tranquila Venus dormida, vigilada por una maniquí de modista y por un esqueleto. Busqué es este cuadro el contraste y el misterio.”

Adoración de los Reyes - Adoration of the Kings - Giorgione

Giorgione

Se trata de una pintura sobre tabla de formato muy alargado en la que aparece la Sagrada Familia ante el grupo de adoradores, compuesto por los Magos y su séquito de pajes y guerreros. El cuadro ha sufrido en el transcurso del tiempo limpiezas abusivas que han denigrado en ciertas zonas su calidad original. Su formato, por otra parte, indica que fue compuesta para constituir la predela de un cuadro de altar. El conjunto posee la luminosidad dorada y el sentimiento atmosférico característicos de la obra del maestro, con quien la pintura véneta entra en una fase de desarrollo que será dominada por las personalidades de Tiziano, Tintoretto y Veronés. A pesar de que el paisaje, la lejanía de colinas azuladas, es apenas perceptible, los personajes que integran la escena parecen condicionados, en su posición y dimensiones, por una norma espacial en la que reside la unidad compositiva.

El caracol - The Snail – Henri Matisse

Henri Matisse

Mucho había evolucionado Matisse cuando lo pintó en 1953, y que es por lo tanto una de sus últimas obras. A lo largo de ese medio siglo, se han sucedido las investigaciones y experiencias, en una labor cambiante pero sin soluciones de continuidad. El término de todo ello es esta desnudez de forma y de color, en la que bastan unos recuadros de tonos planos, agrupados más o menos en espiral, para evocar al caracol.

Esta disposición de “trozos” de color recuerda inmediatamente la técnica de la vidriera y sugiere una autoinfluencia de Matisse, tras haber trabajado en las de la capilla de los dominicos, que decoró poco antes en el pueblo provenzal de Vence, donde residió los últimos años de su vida.

Para comprender la estética de El caracol, hay que recordar que su autor lo definió como un “panel abstracto sobre una raíz de realidad”.

Hojas y caracol - Leaves and Shell – Fernand Léger

Fernand Léger

Fernand Léger se caracteriza por la preeminencia que concede al objeto en sí mismo, sometido a una rigurosa construcción. Avanzando en este sentido, llegará a la etapa de los “objetos en el espacio”, donde la abstracción del ámbito sirve para recalcar la concreción de los objetos.

Las hojas vegetales y el caracol marino flotan sobre un fondo abstracto y geometrizado. El todo está ceñido por las líneas seguida y dura, tan típica de Léger, cuyos comienzos fueron los de dibujante de arquitectura.

El mismo artista explica sus designios cuando dice que en su obra hay “un mínimo de perspectiva, un mínimo de profundidad, un arte vertical”. O cuando justifica su visión del objeto con estas palabras: “el objeto es realmente el sujeto de mi pintura de caballete. He tomado el objeto, he apartado la mesa, he puesto el objeto en el aire, sin perspectiva, sin soporte… Contrasto este objeto o estos objetos con otros objetos o con formas inventadas cuya densidad es la misma y pongo las partes en movimiento o las estabilizo. A veces estático, a veces dinámico…”

San Jerónimo penitente – St. Jerome Penitent - Georges de La Tour

Georges de La Tour

El pintor lorenés había mejorado su primera formación manierista con una larga estancia en Italia, El fuerte modelado de esta figura deriva del claroscuro caravaggiesco, tratado con masas de colores vivos, oponiendo los rojos del manto y el galero a los blancos de la sabanilla y el libro para flanquear el vigoroso desnudo. El hábil manejo de la luz da singular relieve a los objetos que rodean al eremita y que componen una naturaleza muerta sobria y certeramente figurada.