Lamentación sobre Cristo – Lamentation over Christ - Lorenzo Monaco

Galería nacional de Praga

Lorenzo Monaco

La escena se sitúa en un paisaje abrupto cuyas formaciones rocosas están talladas con volúmenes geométricos; en primer término aparece el sarcófago y al fondo la cruz, presidiendo la composición, y la ciudad fortificada de Jerusalén. En torno al cadáver se agrupan las buenas mujeres, san Juan, José de Arimatea y Nicodemo, formando una masa compacta que posee la misma cualidad de síntesis que el paisaje. Las indumentarias de los personajes juegan con los tonos rojos y azules, entre los que se intercala la neutralidad del color pardo. Forman los ropajes pliegues de minucioso dibujo cuyo arabesco posee un ritmo unitario. En la delicadeza de la ejecución se reconoce la vocación miniaturista de Lorenzo Monaco.

Adoración de los Reyes - Adoration of the Magi - Joos Van Cleve

Galería nacional de Praga
1520
71,8 × 69,5 cm. Óleo sobre tabla

Joos van Cleve

En el primer término aparecen la Sagrada Familia y los Magos, enmarcado por la arquitectura marmórea de un palacio renacentista en ruina. Joos van Cleve se ha complacido en describir con detalle las indumentarias suntuosas de los Reyes, las calidades del manto mariano y del transparente velo que cubre la cabeza de la figura, así como la textura veteada de los mármoles del edificio. Por la puerta y ventana del palacio se divisa un paisaje con río, poblado por un grupo de cuatro figuras. En esta zona despliega el pintor una paleta compuesta por verdes y azules profundos, que juega en contrapunto con las gamas ocres y rojizas del primer plano. Como nota estilística debe destacarse la dualidad existente entre el convencionalismo en el tratamiento de las indumentarias y el realismo en la descripción de los rostros, en particular el del rey arrodillado, que debe considerarse un verdadero retrato.

Obras de: Joos Van Cleve
Adoración de los Reyes	Sagrada Familia

San Lucas pintando a la Virgen - St. Luke Painting the Virgin - Jan Gossaert de Mabuse

Galería nacional de Praga

Jan Gossaert de Mabuse

La composición se halla enmarcada por la grandilocuente arquitectura de un palacio clásico en cuyo fondo se abre un patio con una fuente que da paso a un edificio gótico flamígero. La dualidad de estilos subraya la disparidad de los ambientes contenidos en los diversos términos del cuadro. En el primer plano aparece la Virgen dando el pecho al Niño y san Lucas esbozando su retrato. La estancia se halla decorada por bajorrelieves y esculturas, elementos de estilo heterogéneo que el pintor describe con una técnica de grisalla. Para separar este ambiente del espacio del fondo. Gossaert interpone una sala en penumbra cubierta por un techo artesonado, recurso que acentúa la luminosidad del patio y la calidad marfileña de la fachada flamígera que cierra la composición. Un examen en detalle revela la precisión con que fueron trazados sus motivos ornamentales, a base de un dibujo caligráfico iluminado por grises de infinitas gradaciones. Iconográficamente, es difícil decidir si la mujer con el niño que aparece en este espacio constituye una segunda representación mariana, y que el escriba que se halla junto a ella sea otro evangelista. En cualquier caso, esta composición sorprende por la inventiva de que hace gala su autor en la concepción del escenario, así como por la fusión de la tradición realista de la pintura flamenca y de las fórmulas renacentistas italianas.

Trigo verde – Green Wheat Field with Ciprés - Vincent Van Gogh

Galería nacional de Praga
1889
73,5 x 92,5 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh

Obra que corresponde probablemente al periodo en que el pintor fue recluido, a petición propia, en un asilo para desequilibrados mentales situado en Saint Rémy, cerca de Arles. Van Gogh abandonó esta ciudad, en la que había convivido con Gauguin durante un corto tiempo, para refugiarse en la soledad del paisaje campestre, que describe en este lienzo con característica pincelada llameante e intensidad de verdes y azules. El campo de trigo parece agitado por la brisa, convirtiéndose cada planta en un punto dorado por la luz solar. En contraste con esta masa atomizada se hallan lo árboles y la casa del fondo, construidos con sólidas líneas. La intensidad cromática del cuadro, junto con la convulsión de sus formas vegetales, atestiguan la situación psicológica en que se hallaba su autor en mayo de 1889.

Obras de: Vincent Van Gogh
Autorretrato	Autorretrato	Autorretrato con la oreja cortada
Borrachos	Café por la noche, Place Lamartine, Arles	Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville	Ciprés con cielo estrellado	Dos girasoles
El escolar	El niño de los Roulin	El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros	Girasoles	Japonería: Oiran
Jarrón con girasoles	Jarrón con malvaviscos	La Arlesiana
La Casa Amarilla	La habitación de Van Gogh en Arles	La iglesia de Auvers
La Italiana	La Mousmé sentada	La siesta
La silla de Gauguin	La silla del pintor	La terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanas	Los comedores de patatas	Mlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbón	Naturaleza muerta con Biblia y candelabro	Naturaleza muerta con lirios
Noche estrellada	Paisaje al atardecer	Paseo en el crepúsculo
Prado con mariposas	Retrato de Joseph Roulin	Retrato de la señora Roulin
Retrato de Milliet	Retrato de Pére Tanguy	Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor Rey	Retrato del pintor Boch	Ronda de prisioneros
Sauces a la puesta de sol	Sembrador a la puesta de sol	Tejedores en el telar
Trigo verde	Un par de zapatos

Leonor de Toledo - Angelo Bronzino

Galería nacional de Praga

Angelo Bronzino

La efigie de Leonor de Toledo refleja la fría personalidad de Bronzino, autor que adopta una manera analítica e inemotiva, mediante la cual cobran vigorosa concreción el modelo y absoluta realidad óptica los detalles de su indumentaria. El contraste entre el profundo azul del fondo y el tejido carmín de la indumentaria sirve para valorar las carnaciones, modeladas con sombras profundas pero transparentes. A pesar de la reposada actitud de la dama y su aparente falta de expresión, este retrato revela los rasgos de su psicología, sin duda un carácter reflexivo transido de melancolía.

Vista de Arco – View of Arco – Alberto Durero

Museo del Louvre

Alberto Durero

El formato cuadrado y la supresión voluntaria de las montañas del fondo nos dicen, en la excepcional vista, la magnitud del interés de Durero por esa roca fuerte que controlaba la entrada al valle del Sarca, más que el primitivismo de su concepción paisajista. Más allá de la curva amarillenta de creta en primer término, los prados, los campos, los árboles empujan a la pequeña aldea hacia el peñasco que los domina, cristalizado como una tersa y efervescente luz del alba; la patria de Segantini no ha tenido representación superior a esta obra maestra.

Autorretrato – Self portrait – Pablo Ruiz Picasso

Galería nacional de Praga

Pablo Ruiz Picasso

El cuadro es del año 1907. Sabido es que la fecha tiene importancia fundamental para el estudio de cualquier producción del pintor malagueño a fin de situarla exactamente en el punto que le corresponda dentro de su vertiginosa evolución.

Todavía hay mucho de de expresionista en la estilizada exageración de los rasgos faciales, pero éste es sólo un instrumento de que se vale Picasso para resolver los problemas de la construcción, que son los que realmente le interesan, una construcción analítica por planos. De aquí al cubismo no hay más que un paso, por lo que bien podemos calificar a este cuadro de precubista. El cubismo propiamente dicho nacerá inmediatamente, en la colaboración de Picasso con Braque.

Tríptico Stefaneschi (Reverso) - Stefaneschi Triptych (Inside) - Giotto di Bondone

Pinacoteca Vaticana

Giotto di Bondone

El reverso de esta tabla presenta tres composiciones. Las laterales subdivididas por arcos apuntados que albergan figuras de santos, coronadas por medallones circulares lobulados con otro personaje en busto. En la central aparece san Pedro en cátedra, acompañado por dos ángeles y figuras de santos y obispos, sobre un pavimento de mosaico de mármol. A pesar de la presencia de diferentes manos, ofrece esta obra en su conjunto los elementos que caracterizan la renovación pictórica impuesta por Giotto, es decir, tanto el deseo por caracterizar de forma humana a los personajes, como un acusado interés por resolver de manera científica los problemas que plantea la plasmación de la realidad. En el plano técnico, su ejecución se basa en el empleo de la pintura al temple, procedimiento de gran riqueza cromática que se sirve de transparencias para lograr el modelado de las formas anatómicas, según el sistema que en las escuelas italianas recibe el nombre de verdaccio. La variedad del colorido queda realzada, además, por los fondos de oro.

Enlace con el Anverso

Tríptico Stefaneschi (Anverso) – Stefaneschi Triptych (Front) - Giotto di Bondone

Pinacoteca Vaticana

Giotto di Bondone

Obra de grandes dimensiones y pintada por ambos lados.

La tabla central de su cara anterior representa a Cristo, rodeado por ángeles y en actitud bendicente, con la figura, a sus pies, a la izquierda, del donante. Flanquean esta composición la escena del Martirio de san Pedro, en el que el santo aparece crucificado cabeza abajo, mientras los ángeles conducen su alma hacia el cielo, y la Decapitación de san Pablo. El paisaje de ambas pinturas responde al interés erudito de documentar los lugares en que tuvieron lugar los respectivos martirios; así, en la primera aparece la Meta Romuli, monumento romano próximo a la basílica de san Pedro que se mantuvo en pie hasta fines del siglo XV, mientras que la segunda comporta la descripción del paraje conocido por el nombre de Tre Fontane, donde según la tradición halló gloriosa muerte san Pablo. La predela representa a la Virgen con el Niño acompañada por diez apóstoles.

Enlace con el Reverso

Virgen con el Niño – Virgin and Child – Alberto Durero

Colección particular

Alberto Durero

Pintada en Italia durante el segundo viaje hay que subrayar la estructura y la ascendencia, entre belliniana y antonellesca, junto a reminiscencias nórdicas en la cofia que cubre la frente, en los hombros que caen en fuerte declive, en la asimetría de la cabellera, en la avara escansión del espacio tras la figura: medida italiana y voluntarios recuerdos góticos fundidos en unidad, en forma solo posible al maestro de Nuremberg.

Santa Ana, la Virgen y el Niño – Virgin and Child with St. Anne – Alberto Durero

Metropolitan Museum, Nueva York

Alberto Durero

Considerado en nuestros días como una de las obras maestras de Durero. Fechado, 1519, y monograma a la derecha de la cabeza de la Virgen.

Como modelo para la figura de santa Ana, cuya peculiar intensidad, con la cofia a la moda de Nuremberg, que le envuelve completamente la frente y la barbilla, dota al cuadro de una fascinación única, el artista escogió a su mujer.

Los ojos cerrados del Niño dormido, la mirada dulce y absorta de la Virgen, en contemplación de su hijo, y la vigilante y protectora de santa Ana, con la mano izquierda delicadamente apoyada en el hombro de su hija, confieren a la composición un ritmo in crescendo que parece fundirse en una atmósfera de tranquilizadora intimidad.

San Felipe Apóstol – Apostle Philip – Alberto Durero

Galería de los Uffizi, Florencia

Alberto Durero

Además del monograma y la fecha lleva la inscripción: “Sancte Philippe ora pro nobis”. Cabeza vigorosísima, pintada con extrema minuciosidad en la plena madurez del maestro, ceñuda y profética, compuesta en poderosa síntesis plástica.

Retrato de joven dama – Portrait of Young Lady - Alberto Durero

Museo de Viena

Alberto Durero

Ligeramente idealizado y quizá inacabado. Se cree que puede ser el primer trabajo de Durero en su segunda estancia en Italia. Todo en el respira un intensidad interpretativa y un aire bastante más alegre que el de todos los severos retratos precedentes. Se trata tal vez de una joven milanesa, según parece confirmar el vestido, aunque en el catálogo del Museo de Viena se indica como Busto de joven veneciana.

Molinos a orillas de un río – Willow Mill – Alberto Durero

Biblioteca Nacional, Paris

Alberto Durero

Acuarela y aguada. Menos conocido, pero no menos sugestivo que el Islote en un estanque con casita y que el Estanque en un bosque, con los que forma un estupendo tríptico interpretativo; al crepúsculo y al amanecer sucede aquí un fantasmagórico recreo de colores en un rincón de tierra tras un temporal de mediodía, entre pequeñas casitas y árboles enormes, bajo un cielo alto, ventoso, animado por abundantes nubes. Estos molinos existían a orillas del Pegnitz al oeste de Nuremberg.

Políptico de los Siete Dolores - The Seven Sorrows of the Virgin – Alberto Durero

Museo de Dresde

Alberto Durero

Originariamente estaba formado por ocho elementos, con la figura de la Mater Dolorosa en el centro y siete tablas más pequeñas con episodios de la vida de Cristo a los lados y abajo; fue encargado por el elector de Sajonia, Federico el Sabio.

Federico hombre de formación humanística y primer gran comitente del artista, en aquellos mismos años estaba haciendo decorar con frescos y altares su castillo y la capilla palatina.

La tabla central fue reducida en 18 centímetros, antes de que fuese sometida a esta cuidadosa restauración, en la década de 1930, existían incertidumbres sobre el asunto de la tabla, que se creía una Anunciación. Una vez eliminados repintes e inscripciones apócrifas, aparecieron la aureola, la venera y la espada, atributo éste de la Virgen de Dolores.

Las otras tablas del políptico fueron asimismo restauradas a mediados del siglo XX y, la restauración de las pinturas dejo a estas en condiciones satisfactorias. Se piensa que se debe a Durero el proyecto general, y la ejecución de algunas partes las confió luego a los ayudantes del taller.

León – Alberto Durero

Kunsthalle, Hamburgo

Alberto Durero

Miniatura y aguada sobre pergamino; sigla y fecha en oro. Pintado en Venecia, no del natural, a pesar del esfuerzo realista de Durero que, por temperamento e inclinación, se revela excelente pintor de animales. Por entonces no había en Venecia leones vivos y el que examinamos, a pesar de la exactitud de detalles de la crin, está claramente relacionado, por anatomía y posición de los cuartos traseros, con el león de San Marcos, sin el evangelio, presente en tantas pinturas y dibujos de la época.

Liebre – Young Hare – Alberto Durero

Albertina, Viena

Alberto Durero

Acuarela y aguada. Monograma y fecha seguramente autógrafos. Capturada viva y encerrada en una habitación (en el ojo se refleja una ventana y la sombra del animal se proyecta sobre un pavimento liso), esta pequeña liebre de orejas erguidas por el miedo revela el amor de Durero a los animales y la portentosa capacidad de su pincel en lo minucioso, comparable sólo al lápiz de Leonardo. Obra maestra expresiva más aún que colorista, figura merecidamente y desde siempre entre las más conocidas y populares acuarelas del maestro.

Islote en un estanque con casita – House by a Pond – Alberto Durero

British Museum, Londres

Alberto Durero

Acuarela y aguada. En el margen inferior, las palabras autógrafas: “Weier Haus”; y el habitual monograma, falso. La tradición afirma que se trata de un estanque formado por una obstrucción del río Pegnitz, cerca de Nuremberg. Obra muy sugestiva por el cromatismo tierno y sabio y por el contraste entre la calma del espejo de agua iridiscente y el cielo estriado por nubes amenazadoras en el rojo del crepúsculo. La barquita aparece extraordinariamente acabada en su ejecución.

Estanque en un bosque – Pond in the Woods – Alberto Durero

British Museum, Londres

Alberto Durero

Acuarela y aguada. Arriba en el centro, el habitual monograma, aunque falso. Bajo las luces rosadas y pulidas del alba, el cielo aparece ya claro, el agua quieta y sombría se ilumina en el horizonte, mientras, en contraste, sobre la colina a la izquierda, unos pinos abrasados por el rayo alargan en vano hacia la luz renaciente sus troncos áridos. Una de las más penetrantes interpretaciones de Durero.

El terrón grande (Hierbas) – Large Turf – Alberto Durero

Albertina, Viena

Alberto Durero

Acuarela y aguada. Fechada 1503 abajo, a la derecha. Por el tratamiento y la visión del motivo, Durero consigue aquí un efecto selvático: el diente de león, el álsine y la aguileña adquieren a nuestra vista medidas gigantescas. Luces y sombras transparentes hacen del conjunto un bosque que, con merecida fama, entra en el mundo mágico de la gran pintura.

Job y su mujer - Job and His Wife – Alberto Durero

Städelsches Kunstinstitut de Francfort

 Alberto Durero

No hay duda de que ésta y la obra Dos músicos constituyen en su origen un único, o que, aún con más probabilidad, fueron los laterales de un tríptico cuyos exteriores coincidirían perfectamente con los postigos cerrados; dan fe de ello el paisaje del fondo, complementario en ambas pinturas, la falda de la mujer de Job, cuya cola termina en la tabla de los músicos, y la misma inclinación en diagonal del estercolero que se completa en ambos elementos. En cuanto al contenido iconográfico, se discute si la mujer está echando agua sobre Job para aliviarle el sufrimiento de los escozores, o si lo hace por desprecio; y si los músicos, uno de los cuales, el del tambor, es un autorretrato apenas transfigurado, tañen su música en son de burla o para consolar al patriarca.

Dos músicos – Two Musicians – Alberto Durero

Wallraf-Richartz-Museum, Colonia

Alberto Durero

No hay duda de que ésta y la obra Job y su mujer constituyen en su origen un único, o que, aún con más probabilidad, fueron los laterales de un tríptico cuyos exteriores coincidirían perfectamente con los postigos cerrados; dan fe de ello el paisaje del fondo, complementario en ambas pinturas, la falda de la mujer de Job, cuya cola termina en la tabla de los músicos, y la misma inclinación en diagonal del estercolero que se completa en ambos elementos. En cuanto al contenido iconográfico, se discute si la mujer está echando agua sobre Job para aliviarle el sufrimiento de los escozores, o si lo hace por desprecio; y si los músicos, uno de los cuales, el del tambor, es un autorretrato apenas transfigurado, tañen su música en son de burla o para consolar al patriarca.

Descendimiento de la Cruz – Descent from the Cross - Alberto Durero

Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg

Alberto Durero

En una esquina del sudario de Cristo, abajo junto a la corona de espinas, se ve el monograma de Durero. Una larga tradición atribuye a Durero esta obra, pero algunos estudiosos niegan la autografía de esta pintura, cuya ejecución atribuyen a un colaborador que mezcló la xilografía de la Gran Pasión y la tabla del Llanto Glimm. De la xilografía toma la estructuración general del paisaje, fuertemente italianizante, la pose de Cristo, y el esquema distributivo de las figuras; mientras que de la tabla toma las figuras de la Virgen, de la piadosa mujer y de José de Arimatea, reconocibles porque ambos tienen en la mano la vasija de los bálsamos destinados al cadáver de Cristo. En la parte inferior de la tabla aparecen, en actitud de oración, a la izquierda los varones y a la derecha las mujeres de la familia comitente Holzschuher-Gruber.

Cementerio e iglesia de san Juan en Nuremberg – St. John's Church – Alberto Durero

Localización desconocida

Alberto Durero

Acuarela y aguada. Inscripción autógrafa arriba: “Sant Johans Kirche”, y monograma añadido más tarde, en color más claro. Procedente de la colección Grünling, pasó a la Kunsthalle; actualmente perdido, a raíz del robo de ésta y otras obras del maestro pertenecientes al museo. Según la crítica más reciente, se trataría de la primera obra conocida de Durero, aunque es bastante probable que sus primeras tentativas tuvieran por objeto la figura humana. En la pintura, aunque ingeniosa de corte y ritmo, son demasiado evidentes las fallas compositivas y cromáticas.