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jueves, 31 de marzo de 2011

El restaurante de la Sirena - Restaurant de la Siréne at Asnieres - Vincent Van Gogh

El restaurante de la Sirena - Restaurant de la Siréne at Asnieres - Vincent Van Gogh - Museo D’Orsay. Corresponde al único momento en el que la pintura de Vincent Van Gogh admite el calificativo de impresionista. Pintado en 1887, su técnica de ejecución muestra afinidades con la manera de Pisarro. Se conocen un dibujo y un boceto preparatorios, ambos tomados desde el mismo punto de vista que la obra definitiva, es decir, mostrando la fachada del restaurante en fuga hacia la izquierda, con una mesa al exterior y figuras de paseantes en la acera. El lugar pertenece a la localidad de Asnieres.
Museo D’Orsay
1887
54 x 65 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh
Corresponde al único momento en el que la pintura de Vincent Van Gogh admite el calificativo de impresionista. Pintado en 1887, su técnica de ejecución muestra afinidades con la manera de Pisarro. Se conocen un dibujo y un boceto preparatorios, ambos tomados desde el mismo punto de vista que la obra definitiva, es decir, mostrando la fachada del restaurante en fuga hacia la izquierda, con una mesa al exterior y figuras de paseantes en la acera. El lugar pertenece a la localidad de Asnieres.


Obras de:
Vincent Van Gogh
AutorretratoAutorretratoAutorretrato con la oreja cortada
Borrachos Café por la noche, Place Lamartine, Arles Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville Ciprés con cielo estrellado Dos girasoles
El escolar El niño de los Roulin El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros GirasolesJaponería: Oiran
Jarrón con girasolesJarrón con malvaviscosLa Arlesiana
La Casa AmarillaLa habitación de Van Gogh en ArlesLa iglesia de Auvers
La ItalianaLa Mousmé sentadaLa siesta
La silla de GauguinLa silla del pintorLa terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanasLos comedores de patatasMlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbónNaturaleza muerta con Biblia y candelabroNaturaleza muerta con lirios
Noche estrelladaPaisaje al atardecerPaseo en el crepúsculo
Prado con mariposasRetrato de Joseph RoulinRetrato de la señora Roulin
Retrato de MillietRetrato de Pére Tanguy Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor ReyRetrato del pintor BochRonda de prisioneros
Sauces a la puesta de solSembrador a la puesta de solTejedores en el telar
Trigo verdeUn par de zapatos


Retrato del pintor Boch - Portrait of Eugene Boch - Vincent Van Gogh

Retrato del pintor Boch - Portrait of Eugene Boch - Vincent Van Gogh - Museo D’Orsay. Vincent Van Gogh trató en Arles, donde se había establecido en febrero de 1888, al pintor Boch. Por entonces sufría el artista frecuentes crisis nerviosas acompañadas por alucinaciones y general depresión. Su obra era ignorada del público, por lo que sus recursos económicos eran extremadamente exiguos. En esta atmósfera de profundo abatimiento concibió una composición que debería titularse El poeta, composición para la que Boch sirvió de modelo y este retrato es un boceto preparatorio; el cuadro definitivo fue destruido por el propio Van Gogh. El personaje se recorta ante un cielo estrellado cuya luminosidad recorta la parte superior de la cabeza; su rostro ha sido tratado con una ácida gama de verdes, disonante del fondo de la composición.
Museo D’Orsay
1888
60 x 45 cm. Óleo sobre lienzo

Vincent Van Gogh
Vincent Van Gogh trató en Arles, donde se había establecido en febrero de 1888, al pintor Boch. Por entonces sufría el artista frecuentes crisis nerviosas acompañadas por alucinaciones y general depresión. Su obra era ignorada del público, por lo que sus recursos económicos eran extremadamente exiguos. En esta atmósfera de profundo abatimiento concibió una composición que debería titularse El poeta, composición para la que Boch sirvió de modelo y este retrato es un boceto preparatorio; el cuadro definitivo fue destruido por el propio Van Gogh. El personaje se recorta ante un cielo estrellado cuya luminosidad recorta la parte superior de la cabeza; su rostro ha sido tratado con una ácida gama de verdes, disonante del fondo de la composición.


Obras de:
Vincent Van Gogh
AutorretratoAutorretratoAutorretrato con la oreja cortada
Borrachos Café por la noche, Place Lamartine, Arles Campo de trigo con cuervos
Chozas en Cordeville Ciprés con cielo estrellado Dos girasoles
El escolar El niño de los Roulin El restaurante de la Sirena
Espectadores en los toros GirasolesJaponería: Oiran
Jarrón con girasolesJarrón con malvaviscosLa Arlesiana
La Casa AmarillaLa habitación de Van Gogh en ArlesLa iglesia de Auvers
La ItalianaLa Mousmé sentadaLa siesta
La silla de GauguinLa silla del pintorLa terraza del café por la noche, Place du Forum, Arles
Las caravanasLos comedores de patatasMlle. Gachet al piano
Mujeres con sacos de carbónNaturaleza muerta con Biblia y candelabroNaturaleza muerta con lirios
Noche estrelladaPaisaje al atardecerPaseo en el crepúsculo
Prado con mariposasRetrato de Joseph RoulinRetrato de la señora Roulin
Retrato de MillietRetrato de Pére Tanguy Retrato del doctor Gachet
Retrato del doctor ReyRetrato del pintor BochRonda de prisioneros
Sauces a la puesta de solSembrador a la puesta de solTejedores en el telar
Trigo verdeUn par de zapatos


miércoles, 30 de marzo de 2011

Paris, quai de Bercy - Quai de Bercy, Snow Effect - Armand Guillaumin

Museo D’Orsay

Armand Guillaumin
El lienzo realizado hacia 1873, atestigua la dedicación del artista al paisaje urbano, género que practicaba en días festivos, puesto que el resto de la semana le absorbía un trabajo administrativo en un departamento de obras públicas. A pesar de que Monet le dedicó duras críticas, la pintura de Guillaumin no sólo demuestra honestidad de principios, sino también muy estimables calidades.

La route desde el camino de Sévres - Chemin de la Machine, Louveciennes - Alfred Sisley

La route desde el camino de Sévres - Chemin de la Machine, Louveciennes - Alfred Sisley - Museo D’Orsay. Sobre una línea de horizonte muy baja ha situado el artista un camino bordeado por árboles y construcciones, cuyas márgenes convergen hacia la lejana Sévres, iluminada por el sol poniente. La diferencia de luces entre los dos planos de la composición subraya los efectos de distancia buscados por la perspectiva.
Museo D’Orsay
1873
54 x 73 cm. Óleo sobre lienzo

Sobre una línea de horizonte muy baja ha situado el artista un camino bordeado por árboles y construcciones, cuyas márgenes convergen hacia la lejana Sévres, iluminada por el sol poniente. La diferencia de luces entre los dos planos de la composición subraya los efectos de distancia buscados por la perspectiva.


Obras de:
Alfred Sisley
Inundación en Port-Marly La isla de la Grande JatteLa route desde el camino de Sévres
Nieve en Louveciennes




martes, 29 de marzo de 2011

La mies - The Harvest at Montfoucauls - Camille Pissarro

Museo D’Orsay

Camille Pissarro
Esta composición aborda el problema de la captación del celaje, animado por nubes pasajeras de gruesos volúmenes, y la tierra, que la siega ha convertido en rastrojera. En este plano inferior, la pincelada asume el papel de protagonista. El tema fue desarrollado por el artista en repetidas ocasiones; en este caso, se inspiró en un paisaje de Montfoucauls, donde residía su amigo el pintor Ludovic Piette, a quien regaló el cuadro.

La cuna - The Cradle - Berthe Morisot

Museo D’Orsay

Berthe Morisot
La influencia de Manet sobre Berthe Morisot es evidente en esta pintura, cuadro pintado en 1873 y que fue expuesto en el estudio del fotógrafo Nadar con ocasión de la primera exposición impresionista. La artista ha situado al personaje femenino, su hermana Edma, ante un fondo de cortinas de tul que sirve perfectamente al propósito de recortar su perfil dándole corporeidad. Por el contrario, el niño queda difuminado tras los tules de la cuna, lo que le confiere un aspecto idealizado. La composición recuerda en cierto modo obras de Renoir, artista por el que la autora sentía gran devoción y que tuvo gran ascendiente en la ulterior evolución de su pintura.

lunes, 28 de marzo de 2011

El taller del artista - Studio on the Rue La Condamine - Frédéric Bazille

Museo D’Orsay

Frédéric Bazille
Pintado en 1870, es decir, el mismo año de la muerte de Bazille. Según indica el artista en una carta dirigida a su familia, Manet había querido intervenir en esta obra ejecutando la figura del protagonista, que se halla en pie junto al caballete. El interior corresponde al inmueble del 9 rue de la Condamine, estudio frecuentemente visitado por Manet y Monet, cuyos retratos ha dispuesto el autor al fondo de la pieza, discutiendo el cuadro que se halla en el caballete. Los restantes personajes son Edmon Maître, sentado al piano, Renoir, bajo la escalera, y probablemente Émile Zola, conversando con éste.

Auto de fe – Rafael de León

Auto de fe

Esta noche de agosto
he quemado tus cartas...
¡Ocho años de vida apasionada!


Mi corazón ardía
en medio de las llamas,
rodeado de fechas,
¡cenizas de mi alma!

Los abrazos crujían,
los besos se quejaban,
y los dulces "¡te quiero!"
de tinta y de esperanza,
en una pirueta
de fuego, se rizaban.

Como una serpentina,
tu nombre se alargaba,
y era un puente la firma
sobre un río de brasas
que, silenciosamente,
sin voz, se desplomaba.

Esta noche de agosto
he quemado tus cartas...

¡Ocho años de vida apasionada!

Rafael de León

domingo, 27 de marzo de 2011

El caballo blanco - The White Horse - Paul Gauguin

Museo D’Orsay

Paul Gauguin
Durante su segunda estancia en Tahití, en 1878, pintó Gauguin este obra, composición que denota el influjo de la estética modernista. El artista ha centrado el cuadro en la figura de este caballo, cuajado de reflejos del agua del riachuelo, que patea en un cúmulo de luces doradas; entre las ramas curvas del árbol del primer término se distinguen las figuras de dos jinetes desnudos, sobre praderas de un verde intenso. Una flor de exótica apariencia, al borde del remanso, da al escenario su atmósfera paradisíaca y misteriosa. Como pretendía el pintor, esta obra sugiere “una naturaleza lujuriante y desordenada… las espesuras, los arroyos umbríos”. El procedimiento de ejecución, libre de toda preocupación de detalle, contribuye a reforzar el valor expresivo del cuadro.

En el estanque del día... – Rafael de León

En el estanque del día...

En el estanque del día
se han mojado tus palabras.

El «no» sin eco posible
de tu voz embalsamada,
se está muriendo de frío
en los cristales del agua.
Enlace: Narciso - Michelangelo Merisi da Caravaggio

Mis «te quiero», salvavidas
inútiles de mis ansias,
son ceros siempre a la izquierda
de este amor sin esperanza,
de este amor, río dormido,
entre sombras y entre ramas;
de este amor, lirio sin nombre
deshojado en la mañana...

En la rosa de los vientos
clavé, mi amor, tus palabras.

Tu «no», payaso de circo,
dando la vuelta de campana,
al hacer una pirueta
cayó de la rosa al agua.
De nada sirvió el «te quiero»
último de mi garganta;
de nada sirvió la luna
que te mandé iluminada
con jazmines de mi llanto
y óleo de almendras amargas.

Tu «no», de arroz empolvado,
se deshojó sobre el agua...

Rafael de León

sábado, 26 de marzo de 2011

Campo de trigo - In the Wheat Fields at Gennevilliers - Berthe Morisot

Museo D’Orsay

Berthe Morisot
Berthe Morisot es otro de los componentes del grupo impresionista estrechamente vinculado a la personalidad de Manet, con cuyo hermano se casó en 1874. Al año siguiente corresponde esta obra, ejecutada en Gennevilliers, lienzo que demuestra las experiencias de una personalidad todavía inmadura pero ya orientada en una dirección colorista y atmosférica. Por aquel entonces trataba la pintora de persuadir a su cuñado a que adoptase la paleta arco iris, abandonando su técnica personal de utilización del color negro. Como otras obras impresionistas del momento, la composición del cuadro concede extraordinaria importancia a los primeros planos del paisaje, donde el aire se funde con el trigal mediante una imperceptible gradación lumínica.

Glosa a la soleá – Rafael de León

Glosa a la soleá

¿Te acuerdas de aquella copla
que escuchamos aquel día
sin saber quién la cantaba
ni de qué rincón salía?
Pero qué estilo, qué duende,
qué sentimiento y qué voz;
creo que se nos saltaron
las lágrimas a los dos.
"Toíto te lo consiento
menos faltare a mi mare
que a una mare no se encuentra
y a ti te encontré en la calle".

No vayas a figurarte
que esto va con intensión.
Tú sabes que por ti tengo
clavao en mi corazón
el queré más puro y firme
que ningún hombre sintiera
por la que Dios uno y trino
le entregó por compañera.
Pero es bonita la copla
y entra bien por soleares:
"Toíto te lo consiento
menos faltare a mi mare..."
Y me enterao casualmente
de que le fartaste ayé
y nadie me lo ha contao,
nadie, pero yo lo sé.
Yo tengo entre dos amores
mi corazón repartío
si le encuentro a uno llorando
es que el otro le ha ofendío;
y mira, nunca me quejo
de tus caprichos constantes.
¿Quiere un vestío? ¡catorse!
¿quiere un reló? ¡de brillantes!
Ni me importa que la gente
vaya de mí murmurando
que si soy pa ti un muñeco,
que si me has quitao er mando
que en la diestra y la siniestra
tienes un par de agujeros
por donde se va a los baños
el río de mis dineros...
¡Y a mí qué...?

Con tal de que de mi lao
tú nunca te desepares
toíto te lo consiento
menos faltarle a mi mare.
Porque esa mimbre de luto
que no levanta la voz
que no ha tenío siquiera
contigo ni un sí ni un no;
que anda como una pavesa,
que no gime ni suspira,
que se le llenan los ojos
de gloria cuando nos mira;
que me crió con su sangre;
que me llevaba la mano
para que me santiguara
como todo fiel cristiano
y en las candelas del hijo
consumió su juventú
cuando era cuarenta veses
mucho más guapa que tú.
Tienes que hacerte a la cuenta
que la has visto en los artare
y jincarte de rodillas
antes de hablarle a mi mare;
porque el amó que te tengo
se lo debes a su amó,
que yo me casé contigo
porque ella me lo mandó.
Conque a ver si tu consiensia
se aprende esta copla mía
mu semejante a aquer cante
que escuchamos aquer día
sin sabé quién lo cantaba
ni de qué rincón salía.

"A la mare de mi arma
la quiero desde la cuna;
por Dios, no me la avasalles
que mare no hay más que una
y a ti te encontré en la calle".

Rafael de León

viernes, 25 de marzo de 2011

Inundación en Port-Marly - Flood at Port-Marly - Alfred Sisley

Inundación en Port-Marly - Flood at Port-Marly - Alfred Sisley - Museo D’Orsay. Sisley sintió una constante preocupación por la representación del agua, elemento de extraordinaria vibración lumínica en el que se reflejan el celaje y los elementos que integran el paisaje. Por ello trató en varias ocasiones el tema de la Inundación en Port-Marly, suceso que le permitía la transcripción de un estado anómalo de cosas, la intromisión de las aguas del Sena en un escenario urbano. A la izquierda de la composición aparece una casa en cuya fachada se lee la inscripción “A Saint Nicolas”; frente a ella, la línea de árboles que en circunstancias normales señala la orilla del río. Indudable protagonista del cuadro, el agua devuelve la imagen de los objetos tiñéndola de los matices sombríos del celaje y deformándola con sus movimientos de reflujo.
Museo D’Orsay
1876
61 x 50,5 cm. Óleo sobre lienzo

Sisley sintió una constante preocupación por la representación del agua, elemento de extraordinaria vibración lumínica en el que se reflejan el celaje y los elementos que integran el paisaje. Por ello trató en varias ocasiones el tema de la Inundación en Port-Marly, suceso que le permitía la transcripción de un estado anómalo de cosas, la intromisión de las aguas del Sena en un escenario urbano. A la izquierda de la composición aparece una casa en cuya fachada se lee la inscripción “A Saint Nicolas”; frente a ella, la línea de árboles que en circunstancias normales señala la orilla del río. Indudable protagonista del cuadro, el agua devuelve la imagen de los objetos tiñéndola de los matices sombríos del celaje y deformándola con sus movimientos de reflujo.


Obras de:
Alfred Sisley
Inundación en Port-Marly La isla de la Grande JatteLa route desde el camino de Sévres
Nieve en Louveciennes




Sagrada Familia - Rest on the Flight to Egypt – Francisco de Zurbarán

Sagrada Familia, Rest on the Flight to Egypt, Francisco de Zurbarán, Museo nacional de Bellas Artes de Budapest, Virgen, Pintor sevillano, Sevilla, Barroco, Barcelona, España,
Museo nacional de Bellas Artes de Budapest
1659
121 x 97 cm. Óleo sobre lienzo

Francisco de Zurbarán
La composición denota una fuerte influencia de Murillo, reveladora del intento del autor por acomodar su estilo al gusto del momento, que había sido ganado por la fácil dicción del sevillano. Faltan en este cuadro la monumentalidad y la energía que han hecho de Zurbarán uno de los grandes del siglo de oro de la pintura española. Como prueba del agotamiento de la capacidad inventiva de Zurbarán ha de señalarse que el rostro de la Virgen es idéntico al que aparece en la Virgen con el Niño y san Juanito de la Fine Arts Gallery de San Diego.

jueves, 24 de marzo de 2011

Retrato de madame Vigée-Lebrun con su hija - Madame Vigee-Le Brun and her daughter - Elisabeth-Louise Vigée-Lebrun

Retrato de madame Vigée-Lebrun con su hija - Madame Vigee-Le Brun and her daughter - Elisabeth-Louise Vigée-Lebrun, Museo del Louvre.  La artista muestra en este autorretrato con su hija Jeanne-Lucie-Louise una clara dependencia de los modelos pictóricos de su maestro Jean-Baptiste Greuze. Cristo, modern art, contemporary art, Cuadros, Madrid, Art gallery, Obras maestras, Pintura, Escultura, Poesía, Artistas universales, Museos importantes, Museo del Prado, D'Orsay, Louvre, National Gallery, Italia, París, Londres, Renacimiento, Barroco, Impresionismo, New York, Florencia, Moscú, Museo del Arte.
Museo del Louvre
1789
130 × 94 cm. Óleo sobre lienzo

Elisabeth-Louise Vigée-Lebrun
La artista muestra en este autorretrato con su hija Jeanne-Lucie-Louise una clara dependencia de los modelos pictóricos de su maestro Jean-Baptiste Greuze. La obra se halla presidida por un concepto moralizante, trata de subrayar un sentimiento de recíproco amor entre madre e hija; sus características formales, la tipología de ambas figuras, anticipan en cierto modo los modelos de David.

La lección de música - Music Lesson - Honoré Fragonard

Museo del Louvre

Honoré Fragonard
Fragonard fue un pintor ecléctico que a largo de su carrera experimentó no sólo una evolución estilística, sino incluso cambios radicales de concepción estética. En esta obra pone de manifiesto la influencia de la pintura flamenca y holandesa. El ambiente del cuadro traduce un sentimiento de veneración por Rembrandt, mientras que el tratamiento de sus personajes recuerda la técnica de Frans Hals.

miércoles, 23 de marzo de 2011

Huerto con árboles en flor - Kitchen Garden with Trees in Flower, Spring, Pontoise - Camille Pissarro

Museo D’Orsay

Camille Pissarro
En 1877, cuando Pissarro pintó esta obra, eran evidentes en el seno del impresionismo los primeros síntomas de desintegración. Este cuadro significa en la trayectoria del pintor la adopción de una técnica más libre, sin duda inspirada por la paleta arco iris de Renoir, la cual preludia el puntillismo. Fue ejecutada la tela en la localidad de Pontoise, desde la ventana del taller que el artista tenía alquilado, donde acogía a su amigo Cézanne, quien también realizó una composición tomada desde el mismo punto de vista. El primer término de árboles floridos constituye un interesante ejercicio de valoración del espacio atmosférico, en el que Pissarro ha querido introducir el factor ambiental del polen que levita en el aire.

Florero con peonías - Peonies In A Vase - Édouard Manet

Museo D’Orsay

Édouard Manet
Pintado por Manet hacia 864-1865 en Boulogne-sur-Mer, revela perfectamente el interés del artista por el conocimiento de los fenómenos ópticos que la realidad ofrece. Esta pequeña composición constituye un ejercicio de análisis y sin duda fue ejecutada como descanso de la tensión acumulada durante la composición de los grandes lienzos pintados el año anterior y cuya exposición pública había producido tantos sinsabores.

lunes, 21 de marzo de 2011

Retrato de Miguel de Lardizábal – Portrait of Miguel de Lardizábal – Francisco de Goya

Galería nacional de Praga

Francisco de Goya
El lienzo es de una excepcional intensidad expresiva, posee la fuerza de todos aquellos retratos pintados por el genial aragonés como homenaje a sus amigos auténticos. Este personaje había nacido en México, en el seno de una familia de origen vasco; completados sus estudios en la universidad de Valladolid, inició su carrera política en el Ministerio de Asuntos Exteriores y, al ser separado de su cargo por Godoy, ocupó el puesto de director del famoso seminario de Vergara. Durante la guerra de la Independencia fue decidido partidario de Fernando VII, lo que le valió, en 1814, ser nombrado ministro de indias. Su política de protección a los ciudadanos de las colonias, política de espíritu igualitario –es decir, afrancesado según el criterio de la época-, había de granjearle la enemistad de algunos políticos de su tiempo. De la amistad que existía entre Goya y Lardizábal, es testimonio la manera espontánea, desprovistas de formalismos cortesanos, de que hace gala este lienzo. A pesar de la tradicional pose del modelo, revestido de su uniforme, el artista ha dado rienda suelta a sus sentimientos, que se plasman en un toque oscuro y vehemente, cargado de materia pictórica y calor humano.

Madonna con ángeles músicos - Madonna with angels musicians - Cosimo Tura

Madonna con ángeles músicos - Madonna with angels musicians - Cosimo Tura - National Gallery, Londres. La pieza muestra a la Virgen con el Niño dormido en su regazo, sobre un trono monumental cobijado por una hornacina y rodeada por ángeles que tocan instrumentos de cuerda. En la parte baja aparecen otros dos ángeles arrodillados ante un pequeño órgano. Para dar muestra de su personalidad erudita, Tura incluyó, a ambos lados del trono, dos tablas hebreas con los diez mandamientos. En el coronamiento de la hornacina aparecen los símbolos de los evangelistas, con objeto de indicar el papel de la Virgen como puente entre el Antiguo y el Nuevo Testamento.
National Gallery, Londres
1470
239 x 101,6 cm. Óleo y huevo sobre tabla de álamo

Cosimo Tura
La pieza muestra a la Virgen con el Niño dormido en su regazo, sobre un trono monumental cobijado por una hornacina y rodeada por ángeles que tocan instrumentos de cuerda. En la parte baja aparecen otros dos ángeles arrodillados ante un pequeño órgano. Para dar muestra de su personalidad erudita, Tura incluyó, a ambos lados del trono, dos tablas hebreas con los diez mandamientos. En el coronamiento de la hornacina aparecen los símbolos de los evangelistas, con objeto de indicar el papel de la Virgen como puente entre el Antiguo y el Nuevo Testamento.


Obras de:
Cosimo Tura
Madonna con ángeles músicos Madonna del ZodiacoMadonna en un jardín
Piedad Santo Domingo de Guzmán



domingo, 20 de marzo de 2011

La Virgen con el Niño y ángeles - Mary and Child with two Angels Making Music -Gérard David

Museo de Basilea

Gérard David
Las dos figuras principales –el Niño sentado en el antebrazo izquierdo de María- expresan la delicadeza de tratamiento habitual en la obra de este maestro. El pequeño formato de esta tabla le ha obligado a llevar al máximo extremo de perfección su técnica pictórica, que adquiere en el detalle de las manos y los rostros su más alto grado de expresividad.

La Oración del Huerto - Agony in the Garden – El Greco

Museo nacional de Bellas Artes de Budapest

El Greco
En esta composición no puede hablarse propiamente de preocupaciones espaciales, puesto que al artista le interesa menos crear un escenario realista en su dimensión que construir un ambiente simbolista, en concordancia con el episodio narrado. Tres apóstoles dormitan recostados en las peñas, formando un grupo compacto que queda delimitado por troncos de árboles recién cortados. En la parte superior del lienzo, sobre una zona amesetada que tiene por fondo una gran roca, aparecen Cristo en actitud orante y el ángel con el cáliz, éste arrodillado en un jirón de nube y dotado de una calidad agrisallada y transparente. En este lado, el celaje del cuadro posee una tonalidad grisácea mientras que a la derecha, por donde se aproximan los soldados que van a prender a Jesús, el cielo ha sido ganado por la oscuridad total, salvo en un rompimiento de nubes por el que penetran rayos de luna, realzando el perfil difuso de la lejana Jerusalén. Es una obra a la vez sencilla y compleja; su sencillez reside en el somero tratamiento de las formas, reducidas a su expresión casi abstracta, y su complejidad en el simbolismo del escenario y los personajes representados.

sábado, 19 de marzo de 2011

Aviñón desde el oeste - Avignon Seen from Villenueve-les-Avignon - Camille Corot

National Gallery de Londres

Camille Corot
El conjunto urbano aparece visto desde un punto elevado, encuadrado por los dos brazos del Ródano y un lejano horizonte de colinas. En el perfil de la ciudad destacan el Palacio de los Papas y las torres de la catedral y del ayuntamiento. El artista ha conseguido, en la reducida superficie del lienzo, crear el efecto de la inmensidad del espacio y traducir su condición atmosférica. Las formas del paisaje han sido simplificadas, valorándose sus trazos más salientes con rotundos toques de sombra. La sutilidad de las gradaciones tonales rinde convincentemente la noción de las distancias.

Adoración de los pastores - Adoration of the Shepherds - Nicolás Poussin

National Gallery de Londres

Nicolás Poussin
En el primer término aparecen la Sagrada Familia y los pastores y, en el fondo, la escena de la aparición del ángel a otro grupo de pastores, para comunicarles la buena nueva. A pesar de que el lienzo no está exento de calidad, la dureza en el tratamiento de las formas y la abrupta transición que en ciertas zonas existe entre la luz y las sombras revelan a las claras su condición de copia.

viernes, 18 de marzo de 2011

El Salvador - Christ with the Chalice – Juan de Juanes

Museo nacional de Bellas Artes de Budapest

Juan de Juanes
La composición, realizada sobre tabla –probablemente decoró la puerta de un tabernáculo-, es de una gran simplicidad. Cristo aparece en media figura, ante una colgadura de tela verde, con su mano izquierda sobre el pecho y sosteniendo la sagrada forma en la diestra. Ante él se halla el Santo Cáliz de Valencia. La disposición de la figura recuerda modelos de Leonardo da Vinci. Con todo, Juan de Juanes demuestra ser un artista ecléctico, dotado de una técnica muy correcta, aunque de cierta frialdad.

Cleopatra – Pedro Pablo Rubens

Galería nacional de Praga

Pedro Pablo Rubens
El pintor ha elegido uno de sus modelos femeninos habituales, una joven de robusta anatomía, dotada de un rostro redondo en el que predomina el rectilíneo perfil de la nariz. Se trata de un tipo de belleza muy frecuente en la obra de Rubens, sea en asuntos mitológicos, históricos o bíblicos. Las carnaciones han sido valoradas con una sabia teoría de claroscuros, gracias a la cual se integra la figura en el espacio que la circunda, espacio que no contiene alusiones concretas de paisaje. Prefiere el artista dramatizar la escena con un celaje barrido por masas de nubes oscuras, cuya ambigüedad no permite decidir al espectador si la figura se halla en un interior o al aire libre. Cleopatra provoca el ataque de la serpiente enrollada en su brazo izquierdo obligándola a morder un platillo de oro. Sobre el fondo de la ampulosa túnica carmesí, el áspid cobra una calidad viscosa y repugnante.

jueves, 17 de marzo de 2011

Jakob Meyer zum Hasen - Portrait of Jakob Meyer zum Hasen - Hans Holbein el Joven

Museo de Basilea

Hans Holbein el Joven
Holbein ha dispuesto al personaje bajo una arquitectura de gusto renacentista, decorada con frisos cuajados de grutescos. El modelo, tratado en medio cuerpo, lleva una escarapela roja y su rostro aparece en tres cuartos de perfil, descritos sus rasgos con una iluminación moderada que, no obstante, le proporciona sólida entidad.

RIMA XCVII – Gustavo Adolfo Becquer

Enlace: El cementerio judío-Jacob Van Ruysdael


Gustavo Adolfo Becquer

Solitario, triste y mudo
hállase aquel cementerio;
sus habitantes no lloran...
¡Qué felices son los muertos!


Gustavo Adolfo Becquer

miércoles, 16 de marzo de 2011

Crucifixión - Matthias Grünewald

Museo de Basilea

Matthias Grünewald
Aparecen las Marías y un soldado cubierto con armadura al pie de la cruz que se recorta sobre un cielo ennegrecido por sobrenatural eclipse, bajo el cual el paisaje de llanura cobra un aspecto de total irrealidad. La feroz expresividad del artista produce un Crucificado de aspecto deforme, patizambo, de brazos extremadamente largos y manos crispadas por la perforación de que han sido objeto. Su cuerpo está cubierto de manchas de sangre y la cabeza cuelga yerta sobre el hombro derecho. Los ropajes de las figuras que asisten al martirio denotan en Grünewald un gusto por los ritmos geométricos.

Susana y los viejos – Jorge Guillén

Jorge Guillén

Furtivos, silenciosos, tensos, avizorantes,
se deslizan, escrutan y apartando la rama
alargan sus miradas hasta el lugar del drama:
el choque de un desnudo con los sueños de antes.

A solas y soñando ya han sido los amantes
posibles, inminentes, en visión, de la dama.
Tal desnudez real ahora los inflama
que los viejos se asoman, tímidos estudiantes.

¿Son viejos? Eso cuentan. Es cómputo oficial.
En su carne se sienten, se afirman juveniles
porque lo son. Susana surge ante su deseo,
que conserva un impulso cándido de caudal.

Otoños hay con cimas y ráfagas de abriles.
-Ah, Susana. -¡Qué horror! -Perdóname. ¡Te veo!

Jorge Guillén

martes, 15 de marzo de 2011

Virgen con Niño - Virgin and Child – Adriaen Isenbrandt

Museo nacional de Bellas Artes de Budapest

Adriaen Isenbrandt
La composición es de un amaneramiento que resta emoción vital a los personajes, cuyos rasgos ha estilizado el pintor de acuerdo con un ideal de belleza puramente flamenco. En las carnaciones utiliza una técnica de modelado gradual que evita los contrastes, procedimiento que determina la escasa corporeidad de ambas figuras. En la indumentaria monocromática de la Virgen aplicó Isenbrandt sombras profundas que realzan pliegues de elegante linealidad.

Tu pie – Alberto Angel Montoya

Alberto Angel Montoya

Nardo y rosa, tu pie guarda una clave
de voluptuosidad que me estremece,
cuando en la alfombra silenciosa y suave,
bajo tu bata, al caminar, florece.

Si en las manos lo tomo, me parece,
transido al roce de mi tacto, un ave
que al sentirse cautiva, desfallece:
tan pequeño es que entre mi mano cabe.

Ni en la húmeda curva de tu labio,
ni en tu seno rotundo, ni en el sabio
giro sensual mi esclavitud persiste.

Ese pie, nardo y rosa, diminuto,
en el espasmo breve de un minuto
tornó mi beso eternamente triste.

Alberto Angel Montoya

lunes, 14 de marzo de 2011

Retrato de Hombre - Portrait of a Man – Alberto Durero

Museo nacional de Bellas Artes de Budapest

Alberto Durero
Ha podido ser identificado como retrato del hermano menor del artista, Endres, gracias al dibujo que del mismo se conserva en la Albertina de Viena. Se trata de un hombre joven, de rasgos finos y cabellos rubios ocultos bajo un casquete de redecilla. Viste un manto con cuello de piel negra, cuya masa oscura equilibra cromáticamente el denso fondo rojo. El rostro de Endres Durero cobra sus valores volumétricos por medio de la luz proyectada desde el lado izquierdo, dejando en sombra la mejilla y la sotabarba. Para realzar los rasgos del personaje, el artista ha contorneado el perfil externo de su cara con una línea densa y audaz, que no se halla justificada por el planteamiento luminoso del cuadro. El efecto de realidad se completa con la sombra proyectada por la cabeza sobre el fondo liso.

Amor de frutas – Gioconda Belli

Gioconda Belli

Déjame que esparza
manzanas en tu sexo
néctares de mango
carne de fresas;
Enlace: Muchacho con un cesto de frutas-Caravaggio


Te abrazo y corren las mandarinas;
te beso y todas las uvas sueltan
el vino oculto de su corazón
sobre mi boca.
Mi lengua siente en tus brazos
el zumo dulce de las naranjas
y en tus piernas el promegranate
esconde sus semillas incitantes.


Déjame que coseche los frutos de agua
que sudan en tus poros:


Mi hombre de limones y duraznos,
dame a beber fuentes de melocotones y bananos
racimos de cerezas.


Tu cuerpo es el paraíso perdido
del que nunca jamás ningún Dios
podrá expulsarme.


Gioconda Belli

domingo, 13 de marzo de 2011

Retrato de Jacopo Foscarini - Portrait of Jacopo Foscarini – Giovanni Battista Moroni

Museo nacional de Bellas Artes de Budapest
Giovanni Battista Moroni

Sobre la personalidad del modelo, indicada por una inscripción que existe en el ángulo superior derecho (“Iacobus Contareno potestas Padue”), puede aventurarse que se trate de Jacopo Foscarini, quien gobernó Padua en agosto de 1574; no obstante, resulta inexplicable la latinización de su nombre utilizada por el pintor. Como corresponde a su cargo de podestá, es decir, de representante del gobierno de la República de Venecia para asuntos civiles, el personaje aparece junto a un libro de leyes del que cuelga la medalla de san Marcos.

Si mi voz muriera en tierra... – Rafael Alberti

Enlace: La escollera de Calais-Joseph Mallord William Turner
Si mi voz muriera en tierra...

Si mi voz muriera en tierra
llevadla al nivel del mar
y dejadla en la ribera.
Llevadla al nivel del mar
y nombradla capitana
de un blanco bajel de guerra.
Oh mi voz condecorada
con la insignia marinera:
sobre el corazón un ancla
y sobre el ancla una estrella
y sobre la estrella el viento
y sobre el viento una vela!


Rafael Alberti

sábado, 12 de marzo de 2011

La caricia adormece... – Jorge Guillén

La caricia adormece...

La caricia adormece,
y a una región conduce
más cercana a la tierra,
a su silencio y sueño,
bien tendidos, dichosos.

Y tu cuerpo está ahí, remoto y mío,
inmóvil, invisible, descuidado,
y mientras me abandono a su nostalgia,
la oscuridad absorbe en su sosiego
de gran remanso nuestro amor flotante.

Jorge Guillén

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